Живопись

Дело в том, что это портрет Ганса Якоба Фуггера, 1541 год. А Фуггеры, это как Ротшильды, Илоны Маски или Рокфеллеры того времени. Семья Фуггеров, немецкая торгово-банковская династия, доминировавшая в Европе в 15-16 веках. Покровители науки и искусств, инвесторы промышленности. Да и сейчас их дело живо, пусть и в меньших масштабах.

Мой второй муж был художником и музыкантом. Теперь он дизайнер встроенных кухонь. Несколько лет назад жаловался, что после развода нарисовал только одну картину, и ту уничтожил потом. "Слишком мрачная". То ли муза его покинула, то ли некогда - работает теперь.

А когда мы вместе жили, работала в основном я. А муж - личность творческая, и не каждая работа ему подходила. То платят мало, то работать надо, то ещё что-нибудь мешало ему работать. Муж сидел дома и творил. Если было настроение - рисовал картины, не было настроения - играл на гитаре или уходил "на репетицию". А на репетиции играл на гитаре, пил пиво и с девочками иногда"общался". Про девочек я уже после развода узнала. По дому же он ничего не делал - не царское это дело посуду за собой мыть. Где поел - там и поставил. Сама сейчас себе поражаюсь - какого лешего я это терпела?!

Денег у нас вечно не хватало. Трудно мне было троих содержать. У нас ведь ещё и дочь росла. А кроме оплаты еды, одежды и коммуналки деньги на краску, холсты, кисточки, рамки, струны для гитары и пиво нужны были. Муж - личность творческая, без всего вышеперечисленного творить не мог. И настроение у него от этого портилось. А я, дурочка, ему потакала во всём. Картины муж даже не пытался продавать. Говорил, что для души рисует. Поэтому дёшево продавать он их не хотел. А "за дорого их не купят. Потому, что это не пейзажи какие-то."

У нас было много друзей. И они время от времени приглашали нас на дни рождения. А на такие мероприятия без подарков не ходят. Поэтому муж готовил подарки своими руками - рисовал картины. Он рисовал пейзажи и натюрморты для подарков. На продажу подобные картины рисовать категорически отказывался. И мы эти картины дарили. Хозяева были таким подаркам рады. Или делали вид, что рады очень. Недавно была в гостях. И мне напомнили об этих подарках. Они у людей до сих пор на стенах висят. Знаю, что некоторые люди эти подарки перепродали потом. Несколько картин уехало в Европу.

Внизу пара картин, нарисованных бывшим мужем в подарок.

Как-нибудь потом покажу картины, которые остались у нас после развода - в качестве половины совместно нажитого.

Увидела слово недели и пришло в голову поделится фаюмскими портретами, в свое время статья про них немало удивила меня.

Фаюмские портреты - это погребальные портреты в Римском Египте 1-3 веков. То есть это смешение стилей римского искусства и египетских обрядов и традиций

Эти портреты пришли на смену погребальным египетским маскам. Первые такие портреты были найдены в оазисе Фаюм, известны с 17 века, всего известно около 900 таких работ на сегодняшний день.

Живость картинки придает техника выполнения 

Ранние фаюмские портреты выполнены в технике энкаустики (от греческого слова ἐγκαίω — выжигаю), очень распространённой в то время. Это восковая живопись расплавленными красками, которую отличает объёмистость (пастозность) мазка. Направление мазков обычно следует формам лица: на носу, щеках, подбородке и в контурах глаз краски накладывались плотным слоем, а контуры лица и волос писались более жидкими красками. Картины, выполненные этим способом, отличает редкая свежесть цвета и они удивительно долговечны.

Также одной из особенностей таких работ является использование сусального золота (иногда это весь фон, иногда только некоторые детали - ободки, венки, украшения). В качестве основы использовалось дерево, и грунтованное клеем полотно. 

Более поздние портреты написаны темперой. Портреты обладают невероятной сохранностью. К сожалению, техника пастозной живописи была утрачена на несколько веков и вновь открыта только в средние века. Меня в свое время просто поразили эти портреты, живые, красочные, детальные, они так отличаются от традиционных римских изображений (когда в угоду совершенству портреты часто теряли связь с реальностью) и египетских традиционных техник. А еще меня поразило сходство с ранними иконами, которые появились на Руси из Византии, их также рисовали на дереве, и использовали сусальное золото. 

Интересно, если бы не было утрачено искусство пастозной живописи - как бы изменилась история искусств?

В Екатеринбурге в музее изобразительных искусств выставлено несколько картин русского живописца и камнереза Денисова-Уральского.

Среди них моё внимание привлекла картина "Моя лодка у высокого лесистого берега по реке Чусовой". И привлекала она меня не только длинным названием. Художнику прекрасно удалось передать ощущение лета, тишины и покоя, присущего только подобным местам.

А ещё мне глянулся текст, который сопровождает эту картину.

Вполне актуально и для нашего времени. К сожалению отлучиться за 2, за 3 версты от города горожанин редко отваживается.

Объясняем, почему нарисовать чёрный квадрат может каждый, но вошёл в историю ― только квадрат Малевича.

8 июня 1915 года считается датой окончания работы Казимира Малевича над его знаменитой картиной «Чёрный квадрат». Вот уже более ста лет не утихают споры, в чём же гениальность этого произведения и почему оно достойно лучших мест в музеях. 

О чём, собственно, речь?

Картина «Чёрный квадрат» Казимира Малевича была написана в 1915 году, и сегодня это одно из ключевых произведений русского авангарда. Изображённое на картине полностью соответствует её названию. На ней нарисован, собственно, только сам квадрат. Вот он:

Но ведь картина должна быть красивой!

Не совсем. Ещё со времён античности повелось, что искусство в первую очередь обращается к прекрасному: оно демонстрирует красоту, гармонию, радует глаз. Но эта картина написана сильно позже.

К ХХ веку ситуация в искусстве начала меняться ― изобретение фотографии позволило художникам отойти от привычного подражания реальности и сосредоточиться на своих чувствах. Так искусство перестало служить только красоте ― художники начали изображать свои ощущения и субъективное восприятие мира.

А затем стало ещё интереснее: они задались вопросом «А что такое вообще ― искусство?» и начали экспериментировать ― искать его границы. «Чёрный квадрат» ― как раз один из результатов такого поиска.

Такую картину и я могу нарисовать.

Суть этого произведения не в его форме, которую, действительно, может повторить любой. Дело в том, что до Малевича никому не приходило в голову, что живопись может быть т а к а я. Не парадный портрет или красивый пейзаж, бытовая сценка. Что живопись может быть принципиально другой, что можно изобразить неосязаемую мысль. Что можно в форме искусства создать антиискусство.

В своей книге «Чёрный квадрат» Казимир Малевич объяснял свой подход к искусству так: «Когда исчезнет привычка сознания видеть в картинах изображение уголков природы, мадонн и бесстыдных венер, тогда только увидим чисто живописное произведение».

Поэтому закрасить квадрат чёрным, или зелёным, или любым иным цветом может каждый. Гениальность Малевича в том, что он придумал принципиально новый подход.

Неужели до него никто не догадался сделать что-то подобное?

Формально ― были похожие произведения. Например, в 1883 году ― за тридцать лет до «Чёрного квадрата» журналист и писатель Альфонс Алле представил свою картину «Битва негров в пещере глубокой ночью». Это был просто чёрный прямоугольник. Вот он:

Внешне ― мы видим очень большое сходство. Но это два принципиально разных произведения. Картина Алле входила в серию из семи листов, один из которых был чёрным, другой ― зелёным («Сутенёры в самом соку, валяющиеся на траве и пьющие абсент»), третий ― жёлтый («Возня с охрой желтушных рогоносцев»).

Несмотря на то что на этих картинах не изображено ничего, кроме цветного прямоугольника, они имеют вполне конкретный сюжет. Играя со зрителем, Алле предлагает найти, например, на красной картине красных кардиналов на фоне Красного моря. Он намекает, что всё это там есть, просто слилось в единую красную плоскость.

В отличие от шутника-Алле, Малевич предельно серьёзен. Он не пытается спрятать в своём «Квадрате» тёмных персонажей и окружить их чёрными декорациями. Он заявляет прямо ― персонажей здесь нет. И нет ничего привычного, на что мы могли бы опереться как зрители. Есть только форма ― квадрат и цвет ― чёрный.

Неизвестно доподлинно, знал ли Малевич об альбоме Алле. Исследования, проведённые специалистами Третьяковской галереи в 2015 году, показали, что в инфракрасном спектре в углу картины из их собрания можно обнаружить надпись, отсылающую к работе француза. Но сделана ли эта приписка самим мастером или, спустя годы, неким шутником ― сегодня установить уже невозможно.

Алле выбирал яркие цвета, а у Малевича получилось довольно уныло.

Выбор цвета картины легко объясним: чёрный цвет ― это квинтэссенция всех цветов, если смешать все краски разом, то получится именно чёрный. При этом для создания и восприятия живописи необходим свет. Чёрный цвет ― это отсутствие света. Поэтому «антикартина» Малевича будто бы показывает нам все цвета разом. И вместе с этим на ней изображено то состояние, при котором живопись невозможна.

Если же рассмотреть «Чёрный квадрат» вблизи, то можно также подметить интересные детали.

Во-первых, Малевич использовал не чистый чёрный цвет, макая кисточку прямо в банку. Тёмный оттенок, которым написан «Чёрный квадрат», получен из смеси жжёной кости, которая заменила сажу, а также чёрной охры и арсенида меди ― темно‑зелёного пигмента. Кроме того, художник добавил в краску мел, чтобы картина не бликовала и цвет казался глубоким.

Во-вторых, если вы решите рассмотреть самый первый из «Чёрных квадратов» внимательно, то обнаружите, что картина покрыта трещинами (художники их называют кракелюрами) и через них проступают другие цвета. Картина предлагает будто бы заглянуть за неё, узнать, что же сокрыто за чёрной фигурой.

И что там скрыто?

Учёные выяснили это не так давно. В 1915 году Малевич был небогат и поэтому написал первый из своих «Квадратов» на уже использованном холсте. Рентгенограмма 2015 года показала, что под «Чёрным квадратом» находятся ещё две картины ― обе также в духе авангарда. Одна ― кубофутуристическая, вторая ― одно из очень ранних супрематических произведений.

Термин «супрематизм» придумал и ввёл Казимир Малевич. Картины этого направления состоят из плоских преимущественно геометрических форм, залитых сплошным цветом. Под первым вариантом «Чёрного квадрата» скрывается, по всей видимости, один из ранних не удовлетворивших художника экспериментов.

Первым? «Квадратов», получается, много?

Всего существует четыре «Чёрных квадрата». Первый из них был написан к выставке футуристов «0,10», открывшейся в 1915 году. На ней было сорок работ Малевича, а квадрат занял центральное место в экспозиции. Художник повесил его так, как вешались иконы в русских избах, ― в «красном углу».

Этот «Квадрат» сейчас хранится в Третьяковской галерее. Там его можно внимательно рассмотреть, увидев своими глазами и специально созданный чёрный цвет, и кракелюры под ним.

А откуда появились ещё три дополнительных «Квадрата»?

Второй «Чёрный квадрат» хранится в Русском музее. Он был написан в 1923 году как фрагмент триптиха для Международной выставки в Венеции. Картины триптиха повторяли известные работы Малевича — «Чёрный квадрат», «Чёрный круг» и «Чёрный крест», которые демонстрировали зрителю базовые фигуры супрематизма. Проект был сделан совместно с учениками, и у исследователей есть все основания предполагать, что этот «Чёрный квадрат» Малевич писал не сам, будучи лишь наставником.

Третий «Чёрный квадрат» Малевич написал в 1929 году для персональной выставки в Третьяковской галерее. Это практически полная копия произведения 1915 года. Сейчас он также хранится в Третьяковской галерее, и в 2019 году оба «Квадрата» можно было увидеть рядом.

С последним, четвёртым, «Чёрным квадратом» наиболее интересная история. Он был написан в 1931–1932 годах для выставки «Художники РСФСР за 15 лет», однако потом был забыт более чем на полвека. Обнаружили его лишь в 1993 году, когда некий мужчина принёс картину в один из крупных банков, чтобы продать. Оказалось, что жена этого человека была достаточно далёкой, но единственной оставшейся наследницей мастера. Семья также передала банку в дар ещё некоторые произведения, а экспертиза Третьяковской галереи подтвердила подлинность картины. С 2000 года она находится в постоянной экспозиции Государственного Эрмитажа — то есть увидеть «Чёрный квадрат» можно не только в Москве в Третьяковке, но и в Санкт-Петербурге.

Зачем идти в музей, если всё можно посмотреть в интернете?

В теории, конечно же, в интернете есть всё. По фотографиям вы вполне составите представление, на что эта картина похожа и что на ней изображено (квадрат).

Однако мы бы советовали всё же посмотреть на «Чёрный квадрат» в музее. При взгляде на живопись, если хочется её понять, важен не только сюжет или цвета картины. Большое значение имеет её размер, фактура холста, как художник накладывал мазки ― это можно увидеть только на подлиннике. Также можно подметить разные интересные детали, которые не умеет передать репродукция.

Подводя итог: никто не додумался до «Чёрного квадрата» раньше, и в этом его гениальность. Верно?

Да, всё правильно. «Чёрный квадрат» ― это одно из самых новаторских произведений в истории не только современного искусства, но и мировой живописи. Несмотря на внешнюю простоту, он имеет вполне конкретные смыслы.

https://skillbox.ru/media/design/black-square-secrets/

Эта картина висит в музее. Значит должна иметь какую-то ценность. А сейчас угадайте, что здесь нарисовано?

Хоть кто-то должен догадаться, что тут изображено. Хотя бы примерно. Только чур - в интернете не искать! Хочется узнать, что ваша фантазия вам подскажет 😁

Ответ будет завтра утром в комментариях 

Всем здрям! Вчера к сожалению из-за большого объёма работы совершенно не было времени на составление поста, поэтому этот пост будет сегодня.

Итак, что же мы будем сегодня изучать? Всё верно - искусство. В частности живопись. Почему, спросите вы? Всё дело в том, что я хотел написать про картину Сальвадора Дали "Постоянство памяти» (фр. La persistance de la mémoire, 1931 г.), её ещё называют "Мягкие" часы", но уважаемая @Nemezida77 опередила меня и это хорошо, но вот в своём посте она отнесла картину к импрессионизму, чем вызвала у меня праведный гнев (шутка). На самом деле, та картина Дали, как в общем-то большая часть его картин, относится к сюрреализму, а импрессионизм это другое и скоро вы поймёте о чём я говорю.

Поехали! Начнём пожалуй с самого начала. В начале было слово Нет, так далеко мы заходить не будем, а начнём мы с определения, что же такое импрессионизм на самом деле. Импрессионизм - это по истине одно из крупнейших направлений живописи во Франции начиная с 60-х годов XIX века до начала века XX. Появилось оно благодаря молодым художникам (таким как Камиль Писсарро (Camille Pissarro), Эдуард Мане (Édouard Manet), Клод Моне (Claude Monet), Эдгар Дега (Edgar Degas), Пьер-Огюст Ренуар (Pierre-Auguste Renoir)), точнее сказать благодаря тому, что они устали от классико-романтической традиции живописи, которая тогда господствовала во Франции. Будучи весьма талантливыми, смелыми и даже можно сказать дерзкими, они начали писать картины не так, как было принято во всех школах. Разумеется всё это они делали без предварительного сговора (хе-хе), просто пришло время для чего-то нового.
Что же было нового в их направлении? В первую очередь это игра света, зачастую картины импрессионистов походили на этюды к картинам классическим, ведь художники старались запечатлеть сцену как можно скорее, поскольку дневной свет непостоянен, а мгновение мимолётно. По этой причине картины импрессионистов не такие детализированные, как классические... Думаю проще будет привести пример: 

А теперь взглянем на картину Камиля Писсаро "Пейзаж" 1897 г.

 И на первый взгляд кажется  что тут ничего не понятно, однако, если посмотреть внимательней, можно без проблем различить множество людей, отдыхающих людей, кто-то из них сидит, кто-то лежит, кто-то прогуливается под зонтом. Прекрасно различимы деревья и фасад какой-то усадьбы на заднем фоне.
А теперь взгляните на небо и вспомните, какими красками оно порой озаряется, особенно ближе к закату. Согласитесь, что запечатлеть небо все красе и "в моменте" можно только лишь с помощью фотографии. Это и сейчас-то не самая простая задача, а тогда-то уж и подавно, вот и приходилось импрессионистам жертвовать чёткостью линий ради передачи ощущения мимолётного мгновения, которое уже никогда не вернётся и не повторится.
Предлагаю ещё раз посмотреть на картину (подольше) и прочувствовать что же она у Вас лично вызывает, какие эмоции, может быть чувства, или вообще воспоминания.

А я пока продолжу, вернёмся к термину импрессионизм, откуда же он взялся? 
Импрессиони́зм (фр. impressionnisme ← impression «впечатление»), а появился он благодаря прессе. Кто-то из журналистов употребил, в одной из своих статей, слово impression ("Создаётся впечатление, что это творчество душевнобольных людей" или что-то в этом роде сейчас уже и не вспомню, а гуглить лень), а остальные газеты подхватили и вот теперь мы имеем название целого течения в живописи. Кстати сказать, пресса в те времена довольно жёстко критиковала "не таких как все" художников, особенно досталось импрессионистам. В общем пресса категорически отказывалась принимать творения молодых талантов, а вслед за прессой и люди тоже начали так считать. Что тут можно сказать? 

В дальнейшем дела у импрессионистов на родине, т.е. во Франции, складывались не самым лучшим образом, картины их продавались плохо и по довольно низким ценам, отчасти это было связано с упадком экономики, отчасти с непринятием творчества импрессионистов широкой публикой. Однако в Соединённых штатах (которые уже оправились от последствий гражданской войны) картины многих художников приняли намного теплее, конечно часть газет вторила Французским, сравнивая их с умалишёнными, но в общем и целом за океаном творчество импрессионистов завоевало заслуженное внимание. Некоторые искусствоведы называли картины свежим глотком воздуха и не зря, импрессионизм оказал значительное влияние не только на живопись, но и на литературу, музыку и на бесчисленное количество людей по всему миру.

Что-то я увлёкся, пора бы и честь знать, но в завершение поста предлагаю полюбоваться ещё на несколько произведений искусства периода импрессионизма.

P.S. надеюсь вам понравилось.

Субъективная выборка событий из мировой истории. В этот день…

В 1853 году на свет появляется Винсент ван Гог — голландский живописец, пожалуй, самый известный представитель пост-импрессионистов.

В 1856 году подписывается Парижский мирный договор, который завершает Крымскую войну.

В 1858 году некий Хаймен Л. Липман в американской Филадельфии получает патент США на карандаш с прикреплённой к нему стирательной резинкой.

В 1867 году США приобретают Аляску у Российской Империи за $7,2 млн (меньше $150 млн с учетом инфляции на сегодня).

В 1912 году Фесский мирный договор устанавливает французский протекторат в Марокко.

Дни рождения отмечают британский рок-музыкант Эрик Клэптон (1945 года рождения)…

И франко-канадская поп-певица Селин Дион (1968 года рождения).

В 1987 году «Подсолнухи» ван Гога продают с аукциона за рекордные $39,85 млн (да, в годовщину его рождения). При этом за всю жизнь художника была продана только одна его картина.

Бонус-трек (потому что чот маловато будет): 29 марта в 1798 году была основана Швейцарская республика, в 1949 году Турция официально признала Израиль как государство, в 1986 году записи Beatles официально начали продаваться в Советском Союзе, а в 2008 году 35 стран и более 370 городов мира впервые провели акцию «Час Земли».

До завтра.

Всем здравствовать!

Позвольте представить вашему вниманию, небольшую подборку картин с портретами различных казначеев. Есть как известные личности, так и не очень.

Давайте начнём с работы Боровиковского В.Л. Портрет государственного казначея барона А. И. Васильева. 1800 г.

Следом будет ещё одна работа, того же художника. Портрет государственного казначея Ф. А. Голубцова. 1806 г. Между прочим, это племянник и преемник (на посту казначея) А.И. Васильева (тот, что выше).

И.Ф. Лебедев. Портрет казначея Академии художеств Н.С. Образцова. 1850 г.

Jean-Baptiste van Loo (Жан-Баптист ван Лу). Портрет Sieurde Carnay (Сьер де Карнэ), казначей испанского двора.

Франс Халс. Монастырский казначей.
Битый час искал, но так и не смог найти, никакой информации об этом портрете.

Если кто-то сможет разобрать, какие цифры написаны на картине, то буду признателен. Скорее всего, это и есть год написания картины, а может быть и точная дата. 1638 III 31?

А на сегодня с живописью всё. До новых встреч!

P.S. Если вернуться к первым двум картинам, то можно предположить, что художник был каким-то придворным художником, но нет. 

Вляпалась тут нечаянно в срач на Пикабу  в комментариях, зато вспомнила, что у меня есть мастер класс по созданию вот такой картины. Так что делюсь со всеми, кто хотел бы сам создать интерьерную картину. В пдф есть все этапы работ, подробно расписаны все шаги со схемами, видео каждого этапа, есть сам эскиз. Когда то я зарабатывала тем, что учила людей писать картины, так что описывала подробно, для тех, кто никогда не держал холст в руках. 

Ссылка на сам мастер класс - https://disk.yandex.ru/i/TTA6CF0LJH4jWw

Пожалуйста, используйте только для личных нужд (ну или поделитесь, если продадите))) 

Мой фантазийный кит) Холст на картоне, масло, мастихин

Статья целиком и полностью не моя, но судя по нескольким источникам весьма правдива. Взято отсюда.

«Что за прелесть эта дурочка!» - говорил Талейран о собственной жене.

Впрочем, он вовсе не собирался жениться на очаровательной, но не способной удержать в голове более одной мысли Катрин Ноэл, госпоже Гранд. Показное легкомыслие и глупость не мешали будущей мадам Талейран выйти замуж за одного из самых влиятельных людей Франции, прослыть шпионкой и заработать целое состояние на спекуляциях…

О ее образовании говорили, что она «энциклопедически неграмотна». Да и откуда взяться образованию у девушки, пусть и из приличной семьи, но выросшей под индийским солнцем. Мать малютки рано умерла, а отец был капитаном порта. Мачехе не было никакого дела до образования Катрин, так что та с раннего возраста была предоставлена сама себе.

Девочка росла совершенной красавицей. Обладая грацией и изяществом, она привлекала к себе внимание в местном обществе. Стоит ли удивляться, что уже в пятнадцать лет Катрин вышла замуж за Жоржа Франсуа Гранд, служившего в Ост-Индийской Компании.

Брак распался всего через два года, когда муж застал в спальне жены местного судью. Девушка вернулась к родителям, а еще через год сбежала из Индии в Европу с секретарем генерал-губернатора. У нее не было ни единой монеты в кармане, когда в 1782 году прелестная Катрин оказалась в Париже.

Это не помешало красавице быстро попасть в лучшие салоны, заказывать дорогие украшения и одеваться по последней моде. Она была красива, а что еще требовалось … Когда оставаться во Франции стало опасно, она сменила Париж на Лондон, а позже, когда времена террора ушли в прошлое, вернулась.

Шарль Морис де Талейран-Перигор заслужил свое прозвище «Хромой Дъявол». Обладая тонким умом и пониманием человеческих душ, он служил министром иностранных дел при трех режимах.

Красота госпожи Катрин Ноэл Гранд не оставила равнодушным этого хитрого человека. Он поселил «прелесть какую дурочку» в своем особняке. Однажды было перехвачено письмо Катрин одному из ее друзей в Лондоне, по совпадению, бывшему эмигранту. Девушку обвинили в шпионаже и даже арестовали. Но Талейран сделал все возможное, чтобы добиться освобождения возлюбленной.

«Она была очень красива, ленива и совершенно ничем не занималась» – так охарактеризовал Катрин Талейран, признаваясь: «Я люблю ее».

Выйдя на свободу, Катрин сразу же подала прошение об официальном разводе с первым мужем. На основании того, что уже несколько лет супруги не жили вместе, их быстро развели. Но Талейран не спешил сделать свою любимую дурочку законной женой, хотя она продолжала быть хозяйкой в его доме.

Однажды у них ужинал известный египтолог Доминик Виван Денон и Катрин начала расспрашивать его о том, как же ему удалось выжить на необитаемом острове и где сейчас его верный слуга Пятница. «Она принимает меня за Робинзона Крузо?», - изумился гость. Это была правда, вместо его трудов Кэтрин прочла роман Даниэля Дефо.

Иные отзывались о Картин как о женщине благоразумной и тактичной: «Никогда она не произнесла при мне хотя бы одну фразу, отдающую дурным тоном; никогда она не сказала ни единого слова, которое можно было бы квалифицировать как глупость», писала в своих мемуарах мадам де Шастене.

За годы романа с Талейраном Катрин успела обеспечить себе состояние. И вовсе не из подарков покровителей. Она зарабатывала на рынке ценных бумаг, а еще вкладывала доходы в контрабанду.

Когда Наполеон Бонапарт стал первым консулом, он занялся восстановлением нравственности во французском обществе. И напрямую потребовал от Талейрана узаконить его отношения с Катрин или прогнать ее: «Я надеюсь, что примерное поведение гражданки Талейран заставит забыть легкомыслие мадам Гранд». Ситуация была сложная, ведь когда-то господин Талейран принял сан священнослужителя и даже был епископом Отенским. Другое дело, что Папа Римский лишил его этого сана…

Но Катрин, хоть и была «прелесть какая дурочка», обратилась к Жозефине, чтобы та оказала свое влияние. В конце концов Шарлю Морису пришлось жениться.

С этого момента все пошло не так. Любимая художница казненной императрицы Марии-Антуанетты сказала о Катрин, когда писала ее портрет: «Ее энергии хватит на двоих». Но это оказалось не так. То, что очаровывало Талейрана в «прелесть какой дурочке», раздражало его в жене.

Супруги отдалились друг от друга, а прелестная Катрин начала искать любовь на стороне. Однажды Наполеон заявил Талейрану:

- Вы не сказали мне, что герцог Сан-Карлос был любовником вашей жены!

- В самом деле, сир, я не думал, что этот отчет может заинтересовать ни ваше величество, ни мое величие.

В 1816 году Талейраны развелись. Катрин получила хорошие отступные и могла строить свою жизнь, как пожелает. Она даже занялась написанием собственных литературных пьес. Это были трагедии. Те, кому удалось прочесть черновики отмечали, что написаны они довольно талантливо, но они так и не были опубликованы. Она умерла в возрасте 74-х лет в своем доме.

Эта женщина была крестом Талейрана. Он перестал ее любить. «Тщеславие, глупость, болтливость мадам Гранд возрастали вместе с увеличением объема ее талии» - написал о мадам Катрине историку Жану Орье.

Художника легко обидеть 😅 каждый пятый пишет, что мазня, горизонт завален, нет глубины, слишком ярко, сюжеты дурацкие.
А я вот знаете, люблю рисовать, это моя отдушина. Беру в руки мастихин и все понеслась душа в рай. Да, может моё творчество наивно, и не дотягивает до великих художников. Но мне это и ну нужно, и не важно.
Я не рисую в стиле реализм. Я передаю своё восприятие этого мира.
И я совершенно спокойно отношусь к тому, что моё творчество может не нравится, и конечно понимаю, что это "мазня"😅
Но такая любимая моя мазня))) так что даже если мои картины не будут покупать, писать все равно не перестану.

Всем добра и ярких красок)
А творческим людям совет - не переставайте творить, мнения других это всего лишь их мнения и к вам за частую не имеет ни какого отношения)

Очередной маяк)
Бумага для масла, масляные краски

https://www.brooklynmuseum.org/ru-RU/exhibitions/iggy_pop_life_class?fuente=m20minutoses

  Две картины. Автор второй пишет, что идею подсказала первая.

  Из Педивикии:

   ««Утро» (укр. «Ранок») — картина украинской советской художницы Татьяны Яблонской, созданная в 1954 году в Киеве➤. На ней изображена девочка, делающая утреннюю зарядку (художница изобразила старшую дочь в интерьере своей киевской квартиры). Художественные критики отмечали радостную атмосферу утра, умело переданную автором, льющийся в окно солнечный свет. В изображённой девочке советский искусствовед Ирина Абельдяева увидела непосредственность ребёнка, а в самой картине человеческое тепло, душевность, ясность и свежесть восприятия мира.

   Картина считается ярким явлением раннего периода хрущёвской оттепели. По мнению британского искусствоведа, доктора философии, специалиста по искусству и визуальной культуре СССР Майка О’Махоуни, картина символизировала в сознании людей своей эпохи переход «от сна к бодрствованию, от тьмы к свету, от хаоса (незастеленная постель [в комнате девочки]) к новому порядку, равновесию, гармонии», те надежды, которые пробудило в людях окончание сталинской эпохи. С его точки зрения, она смело для своего времени подчёркивает национальную идентичность героини.

   Картина быстро завоевала высокую оценку художественных критиков, получила популярность среди зрителей, репродукции с неё были напечатаны в крупных советских периодических изданиях. Полотно входит в коллекцию Государственной Третьяковской галереи и демонстрируется в настоящее время в здании Новой Третьяковки на Крымском валу»

   Из обсуждения картины Сергея Ковалевского. Пруф: http://hiero.ru/2189405 

   «-Walery 26.03.2015 19:38 / 20:38. Это же девочка Яблонской подросла. Или не Яблонской? Помните, солнечное утро, гимнастика у открытого балкона?

   - Graver 01.05.2009 18:46 / 17:46. Хорошая работа! Особенно интересна тем, как девушка у окна трансформируется разными художниками. От "физкультурниц" и "студенток" к "Бодуну"...

  -Ковалевский-Misser (автор) 01.05.2009 19:24 Graver: Без лукавства — здесь есть ремэйковая ссылочка на "утро — гимнастика" Яблонской!

   -Ковалевский-Misser (автор) 01.05.2009 12:41. Всё-таки это бодун.Сцена подсмотрена со старшей дочери. Спасибо за коменты — не думал, что кому-то интересен»

   У первой картины есть последующая история. Одному мальчику понравилась картинка, он вырезал её из журнала, повесил на стену в своей комнате. Можно сказать влюбился в картинку.

   А через несколько лет поступил в Строгановское училище и познакомился там с девушкой... Подробности желающим предлагаю нагуглить самим.